'Something Rotten' de Broadway es reinventado por el Festival de Stratford de Canadá, y es histérico
Qué alegría ver “Something Rotten” transformada en algo fantástico.
La comedia con cafeína, que se presentó en Nueva York en 2015, es la marquesina musical de el festival de stratford en Ontario, Canadá, un viaje fácil para los neoyorquinos.
Y antes de este año, uno habría tenido que buscar por todas partes para encontrar “Something Rotten” en la lista de favoritos de cualquier amante del teatro.
Hablemos de “bien está lo que bien acaba”: el espectáculo de travesuras de Shakespeare tiene un suministro de risas a carcajadas propio de una comedia de situación. En realidad, es una reinvención al norte de la frontera.
Resulta que lo que necesitaba el musical de Broadway era arrastrarse 500 millas desde la calle 42 hasta un festival de 71 años que se hizo famoso con las representaciones de las obras del Bardo.
Desde mediados de los años, los musicales de Stratford, más terrenales que los nuestros, han mejorado cada vez más. Los neoyorquinos recordarán su “Jesucristo Superstar” que se presentó en Midtown en 2011. Pero “Something Rotten” de la directora Donna Feore es, con diferencia, la más divertida que he visto allí en 17 años.
El espectáculo, con música de Wayne y Karey Kirkpatrick y libro de John O'Farrell, trata sobre un dramaturgo con mala suerte llamado Nick Bottom (Mark Uhre), cuyo contemporáneo es desafortunadamente William Shakespeare, representado como un Mick fanfarrón. Tipo Jagger de Jeff Lillico.
Desesperado por tener una gran oportunidad, Nick visita a un adivino, Thomas Nostradamus (Dan Chameroy), un bebé nepo que intenta aprovecharse de la fama de su tío más conocido. Es un truco, pero hace al menos una predicción precisa: el futuro del teatro son, nos guste o no, los musicales.
Su brillante número, “A Musical”, es una satirización histérica que le cuesta respirar de “Los Miserables”, “A Chorus Line”, “Cats” y muchísimos más. Feore, un coreógrafo enérgico al que le encanta empacar huevos de Pascua nerds, incluye guiños visuales a años de espectáculos en festivales.
No reconocí a Chameroy, un actor al que he visto muchas veces, hasta que leí el programa en el intermedio. El tipo hilarante, que interpreta a Nostradamus como un troll descuidado debajo del puente, es Silly Putty humano.
Nostradamus también revela que Shakespeare está trabajando arduamente en un nuevo espectáculo que está bastante seguro se llama… “Omelette”. ¡Suficientemente cerca! Listos para competir, Nick y su hermano Nigel (Henry Firmston) comienzan a escribir “Omelette: The Musical”.
Mire, no estoy diciendo que nada de esto sea ni remotamente sofisticado.
Pero una gran parte del nuevo éxito de “Something Rotten” es que es una fiesta borracha en una habitación típicamente elegante.
En lugar de realizarse en un viejo escenario isabelino, la producción de la directora Donna Feore pisa los mismos tableros que “Romeo & Juliet” y “Twelfth Night” de esta temporada. Un entorno centrado en Shakespeare añade credibilidad e irreverencia a un espectáculo que es tan fácil de convertir en cursi y demasiado indulgente.
El elenco encarna ese mismo espíritu rebelde. Sus personajes cómicos, más reales que el alboroto, me recordaron a “It's Always Sunny In Philadelphia” en lugar del típico espectáculo de canto y baile.
Como Nick, Uhre combina el escepticismo de Jerry Seinfeld con un talento sorprendente para el claqué. Y Henry Firmston, como su hermano enamorado Nigel, aumenta la tontería lo suficiente como para que el público del Festival Theatre quiera adoptarlo.
Estarán enloquecidos hasta el 16 de noviembre.
Al otro lado de la ciudad, en el Teatro Avon de Stratford, hay aún más cantos, locuras, identidades equivocadas y espectáculos maníacos, sólo que en un musical ya querido, “La Cage aux Folles”.
El sintonizador de Jerry Herman de 1983 fue innovador en su época, convirtiendo a los gays y las drag queens en los personajes principales de un gran éxito de Broadway. La conmovedora balada “I Am What I Am”, posteriormente versionada por Gloria Gaynor, y la eufórica “The Best of Times is Now” surgieron de allí.
La genial producción de Stratford, dirigida por Thom Allison, no es la mejor que he visto.
Es sobrio, muy parecido a la última reposición de Broadway protagonizada por Douglas Hodge y Kelsey Grammer, pero no está claro si eso se debe a que el club nocturno drag de la Riviera francesa es glamoroso o sórdido. No hay ningún punto de vista discernible. Abunda la vaguedad.
Pero la historia del compromiso del hijo de Georges (Sean Arbuckle), Jean-Michel (James Daly), con la hija de un político conservador, y el loco esfuerzo por ocultar el negocio familiar, todavía te hace sonreír y tiene un gran impacto cuando más importa. .
Eso es porque Albin de Steve Ross, también conocido como Zaza, la atrevida estrella de La Cage, se ubica entre los grandes. Su voz resuena como la de George Hearn, pero su poder oculta la fragilidad de una flor que enciende el sistema hidráulico. Todo lo que se necesita son algunas notas de su primer número de camerino, “A Little More Mascara”, para que nos volvamos locos por Zaza.
El drama detrás del escenario es una tendencia accidental en Stratford este año, más obviamente en la obra de estreno mundial llamada “Salesman in China”.
El nuevo y atractivo drama de Leanna Brodie y Jovanni Sy también trata sobre un dramaturgo de renombre y su aclamado trabajo, tal como lo hace “Something Rotten”. Sin embargo, aquí no encontrará ningún comentario sobre “Seussical” o Andrew Lloyd Webber.
En cambio, verás a Arthur Miller lidiar, a veces con furia, con las peculiaridades de la cultura china mientras intenta dirigir la primera producción de “La muerte de un viajante” en China.
Estamos en 1983, apenas cuatro años después de que Estados Unidos completara la normalización de sus relaciones diplomáticas con el país asiático. Miller (Tom McCamus) reside en el Teatro de Arte Popular de Beijing. Y, vaya, está de mal humor.
Ying Ruochang (Adrian Pang), el actor que interpreta al trágico titán Willy Loman, es deferente y está obsesionado con “Salesman”. Pero el resto del elenco, pocos de los cuales hablan inglés, no pueden entender la obra maestra.
Al vivir en una nación comunista, apenas pueden comprender lo que es un viajante de comercio. La difícil relación de Willy con sus hijos no tiene ningún sentido para ellos. Mientras tanto, el gobierno quiere eliminar una gran parte de la obra, afirman, porque el drama de Miller es demasiado largo.
Muchos de los enfrentamientos en los ensayos hacen cosquillas a la multitud. Pero uno es un rompecorazones astuto.
Cuando un diseñador presenta sus elaboradas máscaras de personajes y pelucas rubias que hacen que quienes las usan parezcan estadounidenses blancos estereotipados, según la costumbre escénica china, Miller se horroriza.
Para el escritor (y sospecho que para la mayoría de la audiencia norteamericana) son ofensivos y caricaturescos. Los intérpretes deben lucir como ellos mismos, exige el dramaturgo.
Pero los lugareños luchan por explicarle a Miller las máscaras y pelucas. son auténtico para los espectadores chinos. El aplastado artesano ha pasado muchas noches sin dormir tratando de perfeccionar cada cabello y poro para Miller, sólo para ser ridiculizado. Es un discurso demoledor.
Que el maquillaje y el vestuario no sean lo primero (o, diablos, lo quinto) que te viene a la mente cuando piensas en “La muerte de un viajante” muestra cuán amplio es el abismo entre las actitudes y tradiciones estadounidenses y chinas. Y qué notable es que la monumental producción de Beijing haya llegado a la noche del estreno.
Y es por eso que sospecho que “Salesman in China”, que se presenta en inglés y chino (con subtítulos), se convertirá en un título popular en Estados Unidos.
No sólo es una pieza fascinante de una historia poco conocida, sino que la fascinante obra también resume una división multinacional aún polémica, extremadamente complicada y enormemente relevante en una idea que es simple, atemporal y universal: el espectáculo debe continuar.
